miércoles, 23 de diciembre de 2009

LA BAUHAUS COMO RESEÑA HISTÓRICA DEL DISEÑO

La Bauhaus fue un movimiento artístico revolucionario para su época contribuyendo a una serie de reformas tanto artísticas como sociales. Ha marcado un antes y un después tanto en algunos conceptos del diseño como en la arquitectura. El estilo que esta escuela defendió fue también bastante influyente, caracterizado por la ausencia de ornamentación y por principios racionales, expresionismo y sobriedad, reflejando una estética funcional y donde la geometría y las líneas rectas obtienen un lugar ejemplar. La página impresa habia dejado de ser simétrica para componer una asimetría llena de colores planos sin relieve ni sombras.

Otro aspecto que hay que destacar en la Buhaus es la importancia que se le da al diseño tipográfico, diseño gráfico, la fotografía como medio de representación publicitaria y creación de espacios. La potenciación de aspectos aparentemente excluidos de las enseñanzas artísticas, como la fotografía, la tipografía, el diseño gráfico y, en general, la comunicación impresa, fueron específicamente potenciadas durante el periodo de Moholy-Nagy.
La tipografía de esta escuela, esta basada en los grabados de De Stijl y del Constructivismo ruso que anunciaban la reivindicación de la modernidad.

Gropius, preocupado por aplicar el arte a la producción industrial, pronto se dio cuenta del importante papel que desempeñaba el diseño gráfico, que se fue abriendo paso desde los principios de la Bauhaus hasta convertirse en un aspecto relevante. Un ejemplo claro de la evolución del diseño gráfico en la escuela de la Bauhaus, es el salto estético que se dio de un logotipo a otro de la propia escuela.

martes, 22 de diciembre de 2009

Vanguardias artísticas, diseño gráfico y publicidad

A principios del siglo XX se gesta las condiciones propicias para una ruptura formal y conceptual del arte precedente que afecta de forma acusada a la despuntante construcción de un nuevo diseño gráfico, en el que poco a poco se irán integrando las distintas disciplinas que el diseño gráfico abarca (cartelismo, tipografía, publicidad...).

El Futurismo concede un papel especialmente importante a la tipografía en el juego de las formas plásticas, hecho sin precedentes históricos, iniciándose de este modo una curiosa revolución tipográfica. Para los artistas futuristas la tipografía debía enfatizar el contenido escrito.
No es algo nuevo que a principios del siglo XX con el surgimiento de las vanguardias se le diera cierta importancia a la tipografía, ya que algunos arquitectos modernistas experimentaron de algún modo en este tema.

A partir de la Primera Guerra Mundial y tras la Revolución Rusa, nació lo que hoy conocemos como cartel político o de propaganda. Gracias a la necesidad de influir en la masa demagógicamente con ideas políticas, surgió la propaganda la cual se presentaba de un modo predominantemente visual para que fuera comprensible por todo el mundo sin la necesidad de tener cierto nivel cultural y que se captara la información con rapidez, ya que una imagen se traduce muchisimo más rápido que un texto.

El Constructivismo Ruso tuvo mucha influencia en el diseño gráfico, en las tipografías y en las estructuras para libros y periódicos. Un autor revolucionario en este campo fue El Lissitzky, cuyo contacto con importantes imprentas de Alemania le permitieron desarrollar sus ideas tipográficas; como diseñador gráfico Lissitzky no decoraba el libro simplemente, sino que lo construía al programarlo visualmente por completo. Por otro lado, Rodchenko, se inclinó, además de por otras artes aplicadas, por la comunicación visual; produjo diseños gráficos con sólida construcción geométrica y extensas áreas de color puro, y utilizó tipografías de mucho pes0.
En el movimiento dada cabe destacar la innovación de incluir en el collage la tipografía como un elemento más de montaje, creando cosas sueltas libradas al azar, resultando unas curiosas composiciones abundantes en asociaciones provocadoras.

A finales de la primera década del siglo XX surge el periodo de los grandes cartelistas en Alemania, sin olvidar la influencia que pudo tener en estos el cartelismo francés. Un buen ejemplo en esta categoría es Hohlwein que trata sus composiciones de un modo básico y esencial, de modo que reduce formas, líneas y sombras y enfatiza la vitalidad del cartel figurativo.

Conexiones estéticas y teóricas entre los movimientos de vanguardia

Si algo tienen en común cada movimiento de vanguardia es el hecho de que intentan despojarse de todo aquello que le precede y no se ajusta al pensamiento de la propia vanguardia. Renuevan la estética del arte inspirandose en un hecho concreto que marca un antes y un después, su deseo es el de producir “nuevas órdenes” que se dan a conocer mediante un manifiesto que lo suele redactar los principales representantes de la vanguardia.

El surgimiento de las nuevas vanguardias caen sobre la sociedad burguesa como autenticas bombas, dado el antagonismo con que se propugna el quebrantamiento de las formas establecidas anteriormente por primera vez.

-La primera vanguardia del siglo XX data del 1904 al 1908 conocida como Fauvismo y uno de sus principales representantes es Henri Matisse. Este movimiento moderno, que apela contra los métodos racionales establecidos como el impresionismo al que nos tenian acostumbrados hasta finales del siglo XIX. A partir de este rechado hacia los convencionalismos artísticos de la época, las nuevas vanguardias que se irán sucediéndose tendrán en común la abstracción de las formas.


  Henri Matisse

- El Surrealismo (Paris, 1924-1940) se trata de una vanguardia que busca plasmar el mundo de los sueños y del subconsciente inspirandose para la creación artística surrealista en el psicoanalista Freud. El movimiento surrealista derivó del Dadaísmo, y muchos dadaístas como Max Ernst, Hans Arp, Duchamp... se incorporaron más tarde al Surrealismo.
El movimiento dada surge con el objetivo de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte anteriores a la I Guerra Mundial. No se trata de una vanguardia que reaccione con una escuela de arte anterior, ya que en Alemania, donde surge el Dadaísmo, se refugiaron expresionistas alemanes, futuristas italianos y cubistas franceses.


Max Ernst


Salvador Dalí


- En contraste al Surrealismo y al Dadaísmo, está el Futurismo, árido, de líneas rectas y figuras geométricas. El Futurismo utiliza los conceptos de vanguardia como propios, es decir, el Futurismo es sinónimo de velocidad, hay un incremento de aceleración en todos los sentidos (tanto en la producción artística como en la teórica). El movimiento futurista de Marinetti inspira a otro movimiento como es el Rayonismo que se trata de una adaptación propia de los artistas hacia el futurismo dandose a conocer por el manifiesto redactado por Larinor.



Mino Delle Site


El Rayonismo está basado en las composiciones contruidas a partir de rayos de luz que se cruzan y se disuelven en motivos que cambian continuamente. También es cierto que el movimiento rayista tiene una estructura fundamentalmente sustraida del cubismo analítico con un sentido del movimiento propiamente futurista, siendo el conjunto de la obra totalmente abstracto.

Natalia Goncharova

Además del Rayonismo, el Futurismo influye también en el movimiento dada, en el Constructivismo ruso y en el Surrealismo.
También, cabe decir, que el movimiento futurista influyó de manera significativa en la evolución tipográfica que se ha sucedido a lo largo de toda la historia y que concede un papel importante a este aspecto del arte.

- Otra vanguardia que podemos relacionar con el Cubismo es el Suprematismo, cuyos planteamientos formalez están relacionados a su vez con el Neoplasticísmo y con algunos principios de Kandinsky. Tanto en el Constructivismo como el en Suprematismo, predominan las materias y formas puras, colores planos contrastantes y formas geométricas puras y absolutas.




Pablo Picasso

lunes, 21 de diciembre de 2009

¿QUÉ ES LA VANGUARDIA?

Una vanguardia es un fenómeno artístico promovido por pensadores afines a ese movimiento con un fin tanto estético como social y que exigen al espectador una nueva perspectiva y actitud ante la obra de arte. Rechazan actitudes costumbristas, ya sea a modo artístico o social, para crear un nuevo mundo cuyas “nuevas órdenes” se proclaman en un manifiesto que reúne cada detalle ideológico de la vanguardia para intentar que el arte vuelva a ser algo práctico, convirtiendose en un símbolo de protesta de la época y en un ataque al estatus del arte en la sociedad burguesa.

Las vanguardias son rápidas, se superponen unas a otras, funcionan al mismo tiempo en distintos lugares y llevan sus respectivas direcciones hasta que caen obsoletas y son olvidadas para dar paso a otros movimientos artísticos.
Unas se van inspirando en otras, de modo que se encadenan y relacionan entre sí de manera significativa.

Las grandes vanguardias históricas aparecen en la primera mitad del siglo XX con la ruptura del lenguaje artístico que se ha venido reproduciendo desde el arte clásico, así pues, produciéndose una revolución de las artes plásticas.

Wassily Kandinsky, "En azul", 1925. [Der Blaue Reiter]

Sophie Taeuber-Arp, "Pää", 1919. [Dadaísmo]

Salvador Dalí, "El gran masturbador", 1929. [Surrealismo]

Piet Mondrian, "Cuadro nº2", 1925. [De Stijl]

jueves, 17 de diciembre de 2009

MOBILIARIO DE GAUDÍ


Antonio Gaudí fue un excelente arquitecto contemporáneo al Modernismo (aunque no se le puede encasillar en este movimiento artístico de modo exacto) escultor, diseñador, interiorista.
Gaudí no sólo revolucionó la arquitectura, sino que diseñó elementos decorativos con diferentes materiasles (vidrio, hierro forjado que más que material decorativo lo utilizaba como aplicación estructural, cerámica, madera, piedras...). Su arquitectura está encerrada en un plano simbólico dentro del mundo natural. En el mobiliario de Gaudí, podemos identificar una evolución desde su comienzo hasta sus últimas obras. Empleó y mezcló todo tipo de materiales y en su obra se observa la influencia del arte musulmán, los estilos góticos y barroco, sin olvidarnos de la influencia que recibió del arquitecto medievalista francés Viollec-le-Duc. Pero a pesar de todo no dejó de inventar su estilo propio que lo diferencia de todos los demás. El primer mueble del que hay constancia que fue diseñado por Gaudí es su propio pupitre de arquitecto diseñado en torno a 1878, justo al terminar la carrera de arquitectura; se realizó en un taller de carpintería donde Gaudí trabajaba para pagarse los estudios. Como se puede apreciar, en la madera hay tallados superficiales y detalles ornamentales, pero lo que más destaca de este diseño es su estructura en su conjunto que la hace única siguiendo las líneas del estilo propio de Gaudí que poco a poco va definiendose más. En sus primeros diseños se observa una gran influencia del neogótico y del eclesticismo como referencia estructural y formal. En los siguientes muebles que diseña Gaudí, incorpora el metal como elemento decorativo y al mismo tiempo como sustento estructural del propio mueble. Un ejemplo es la Chaise-longe (1889) del Palacio Güell, contruida a base de la combinación de diferentes materiales como son la madera, el metal y el terciopelo dorado almohadillado. Está inspirada en los modelos del Segundo Imperio Francés.Desde el principio de Gaudí como artista, aplicó a sus diseños aspectos de racionalidad, confort y solidez estructural. La línea que describe el cuerpo que se postra sobre esta Chaise-longe insinua intimidad. Una obra de gran exquisitez en la que todo está pensado hasta el mínimo detalle, como el hecho de que las patas (todas ellas metálicas) del respaldo están inclinadas, favoreciendo la estabilidad del asiento, mientras que las patas del otro extremo están en posición vertical. Sin más preámbulos, vamos a analizar una de las piezas de mobiliario más impresionantes de Gaudí, como el sillón de la Casa Calvet (1898), hecho en madera de roble. Marca la transición entre los muebles de la Casa Calvet y los muebles de las casas Batlló y Milà. Este sillón carece de detalles superfluos u ornamentación a las que anteriormente Gaudí nos tenía acostumbrados. El asiento está formado por cinco piezas ensambladas mediante almillas y sin más ayuda que la precisión y el rigor ejecutivo. El asiento está unido al respaldo, esculpido en forma de corazón, mediante una columna o cuello grueso del que también salen los brazos del asiento cuya terminación es en forma de mano. De forma que, viéndolo desde la perspectiva surrealista nos puede inspirar el esqueleto y órganos de un cuerpo humano. La casa Calvet nos muestra a un Gaudí más preocupado que nunca por las formas orgánicas. Luego vinieron diseños de Gaudí con más sobriedad, dejandose insinuar con una curva desconcertante que no sabes hacia qué dirección va a girar, deja a un lado los detalles superficiales, las tallas en la madera, los leves detalles. Por ejemplo, en la silla del comedor de la Casa Batlló (1907) podemos observar que las líneas de las patas aparentemente rectas, mantienen un característico movimiento espiral, y par que la estructura sea suficientemente estable y al mismo tiempo de carácter ligero, las patas se adelgazan hacia la parte inferior. Es en la Casa Batlló donde el modernismo de Antonio Gaudí alcanza su máxima plenitud, creando una obra que traspasa lo poético. Y en sus detalles decorativos demuestra que Gaudí es, al mismo tiempo, arquitecto, decorador y escultor. El éxito y la fama de los muebles gaudinianos radica en su armonía, belleza, funcionalidad y comodidad. Gaudí es más emblema que modelo en la historia del diseño debido a su carácter individualista, su exuberancia plástica y su místico simbolismo.
 

ADOLF LOOS. Arte y arquitectura.

Adolf Loos fue un arquitecto austriaco coetáneo a Hoffmann y Olbrich. Recibió la influencia racionalista de la escuela de Chicago, reaccionó contra la superficialidad del estilo Art Nouveau sometiendo a tela de juicio el valor del ornamento en una época carente de estilos, y criticó la capacidad humana de encontrar deleite o belleza en ellos. Todas su rebeldía y crítica está contenida en el ensayo que escribió en 1908 "Ornamento y delito"; se despoja de todo adorno y lo ridiculiza, tratandolo como una enfermedad, y así explica que la sociedad, en general, estaba sana y que sólo existían unos pocos enfermos que aún exigían a sus obreros realizar ornamentos diseñados por si mismos.



"Alguien que viva en nuestro nivel cultural no puede crear ningún ornamento", Loos.

















"La falta de ornamento es un signo de fuerza espiritual", Loos.

La casa Muller se trata de un edificio cúbico liso despojado de todo adorno superficial, líneas puras y simplificadas destacan en esta fachada, contruida con la reciente aplicación de hormigón armado.


Fue un gran pensador del diseño, muy adelantado a su época, que también entró en el debate de diferenciar los objetos con arte y los que carecen de éste. Según Loos, la obra de arte no pasa de moda, no se degenera ni se deteriora por el uso, y debe durar hasta que se haya impuesto a los hombres, textualmente Loos decia de la obra de arte: "Nunca se volverá fea, nunca ha sido hermosa" para insinuarnos que se trata de una obra atemporal que no pasará de moda. Por otro lado están los objetos de la industria, los que carecen de valor artístico y se deterioran, los que se rigen por una moda que más temprano que tarde se marchitará.

Poco a poco, todas las industrias fueron quedando apartadas del dominio del arte, y no iba a ser menos la arquitectura, que dejó de ser una expresión artística de los arquitectos para convertirse en un condimento más de industria para ser utilizado, deteriorado y relacionado con la moda del momento.

miércoles, 16 de diciembre de 2009

PALACIO STOCLET de JOSEF HOFFMANN

El Palacio Stoclet (1911, Bruselas) fue el fruto de la ambición de crear una obra de arte total realizada por el arquitecto Josef Hoffmann por encargo del financiero belga Adolphe Stoclet (banquero y coleccionista de obras de arte), quien dio unos parámetros y referencias de las exigencias que pedía a Hoffmann pero ofreciendole una extremada libertad para la composición del palacio y sin ninguna limitación económica o de otro tipo.






Hoffmann, que se convirtió en uno de los arquitectos más destacado de la Sezession de Viena, realiza el diseño de este palacio sirviéndose del refinamiento (por deseo de Stoclet) y de la geometría austera, homogeneidad y sencillez propias del arquitecto. Busca la economía estética simplificando las formas y liberando el espíritu decorativo; y se trata de la obra más clara de la transición entre la Sezession y el protorracionalismo. Revistió tanto la fachada como el interior del palacio de marmol belga, mientras que los ángulos o las esquinas estan unidas por bandas metálicas decoradas por delicados motivos sutiles; todo esto hace que resalte su pureza entre jardines y un estanque de agua concebido bajo la idea de una visión estática.




El interior está acondicionado con la misma exquisitez que el exterior. Al tratarse de la obra de arte total mas lograda del periodo de la Sezession, en su interior alberga una magnifica composición de arquitectura, escultura y pintura. Utiliza marmol en las paredes al igual que en la fachada, y para realizar los frescos y cuadros de las distintas habitaciones escoge a Gustav Klimt, este autor pinta motivos tanto abstractos como figurativos y estilizados, y emplea colores llamativos y novedosos, ofreciendo un particular punto de vista del modernismo teniendo sus obras gran contenido simbólico .



Como hemos podido ver, el Palacio Stoclet es un testimonio claro de la renovación artística que vivía la arquitectura europea con el modernismo durante el cambio de siglo, está considerada una de las residencias más lujosas del siglo XX por las obras de arte de Klimt que se encuentran en el interior del palacio y su exquisito mobiliario diseñado por Hoffmann con la pureza que le emanaba y con el refinamiento exigido por Stoclet.

Este edificio anticipó muchas de las cuestiones que se dan en la arquitectura actual y que rompían con la estética arquitectónica del espacio público en aquel lugar y en aquel momento; y es la obra maestra que nos ha dejado Hoffmann en recuerdo del movimiento moderno, concretamente del periodo de la Sezession vienesa.
Hoy en día su estado de conservación es excepcional ya que se ha intentado que la mayoria de las obras, mobiliario original e instalaciones permanezca intacto. En junio de 2009 fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

sábado, 5 de diciembre de 2009

ARQUITECTURA EN LA SEZESSION VIENESA

INTRODUCCIÓN
El Modernismo que se desarrolló a finales del siglo XIX se extiende por toda Europa y recibe distintos nombres según el pais donde se desarrolle, Art Nouveau en Francia y Bélgica, Jungendstil en Alemania. El grupo de artistas que forman la Sezession de Viena está intimamente ligado al Modernismo que irrumpe para acabar con las tradicionales tendencias caracterizadas esencialmente por el exceso de ornamentación.
Esta nueva corriente de renovación artística rompe con el historicismo.


EL ESPACIO DOMÉSTICO

En Viena, la Sezessión toma el significado de modernismo arquitectónico, influenciado por las tendencias y el lenguaje de la corriente moderna europea del cambio de siglo. El estilo sobrio de algunos de los arquitectos que trabajaron en Viena fueron los precursores de la Bauhaus y de la corriente racionalista, y aplicaron, en la arquitectura, recursos de la abstracción y estilización de los ornamentos.


Joseph Maria Olbrich, que fue discípulo de Otto Wagner, junto con el pintor Gustav Klimt y el arquitecto Josef Hoffman, fundó el movimiento de la Wiener Sezession en el que se discutirían las nuevas tendencias.
Olbrich, relacionado directamente con las corrientes europeas ligadas al Art Nouveau, diseñó el edificio de Exposiciones de la Secession de Viena en 1898, al que podemos considerar como el manifiesto arquitectónico de la tendencia modernista vienesa; sobre la puerta de entrada de este edificio, conocida como "repollo de oro" puede leerse: "A cada época su arte, a cada arte su libertad", que era el slogan de este grupo de artistas revolucionarios. La cúpula, aparentemente apoyada en las columnas, está hecha a base de flores metálicas, insinuando un enjambre de avispas que flota en el aire. Este edificio tenia una doble función: albergar la sede del grupo de los artistas de la sezession, y servir de sala de exposiciones.
Olbrich unificaba el ámbito privado y la esféra pública con un mismo modo figurativo, emplea los mismo métodos tanto de ornamentación como de abstracción en la composición de sus edificios.



Josef Hoffman es otro de los artistas de la sezession que sigue en la misma línea de arquitectura casi cubista, discipulo también de Otto Wagner, cuyos principios racionalistas hicieron de él un arquitecto con una formalidad de elegancia extraordinaria. Una de sus obras más significativas es el Palacio Stoclet (otra obra de arte total) que nos hace percatarnos especialmente de su depuración en las líneas, extremada abstracción y casi ausencia de ornamentación, especialmente la que nos remite a la naturaleza. Este edificio tiene la fachada revestida de marmol belga gris claro, que daba un toque rosado, esto fue una gran innovación, anteriormente nunca visto, propia de los ideales modernos de la sezession vienesa; y tanto las esquinas interiores como las exteriores, están ribeteadas por listones metálicos. Esta composición, casi exenta de decoraciones superfluas, reivindica una nueva forma de arquitectura más constructiva.


EL ÁMBITO PÚBLICO

En Viena, la Ringstrasse es una amplia avenida circular, se proyecto en la franja ancha militar que separa la antigua ciudad de los nuevos barrios periféricos. El primer arquitecto encargado de renovar la estética pública y los edificios, fue Otto Wagner; éste se encargo de algunos proyectos llevados acabo en la propia Ringstrasse, estructurando las fachadas por criterios de jerarquización de las distintas plantas.
Más tarde, las nuevas casas de alquiler que diseñaría Wagner, eran más pequeñas, y las distintas plantas quedaban menos jerarquizadas gracias al innovador ascensor que se había popularizado, dando así, una fachada simple y uniforme con un mínimo toque de decoración.

Wagner ejerció una importante influencia en la arquitectura del siglo XX, y comprendió que había que trabajar sobre la fina línea qu eseparaba el ámbito privado de lo público, aunque hizo mayor incapié en la parte exterior de los edificios, dando protagonismo a las fachadas en un espacio urbano modernizado.